“Was born in Bolivia, of Russian parents, lived in Chile, worked in Paris, was the partner of Marcel Marceau, founded the ‘Panic’ movement with Fernando Arrabal, directed 100 plays in Mexico, drew a comic strip, made ‘El Topo,’ and now lives in the United States — having not been accepted anywhere, because in Bolivia I was a Russian, in Chile I was a Jew, in Paris I was a Chilean, in Mexico I was French, and now, in America, I am a Mexican.”

A propósito, finalmente assisti a “El Topo“. Recomendo-o na mesma medida em que sou incapaz de falar coerentemente sobre ele.

INTERVIEWER
Why did you choose journalism as a major?

TALESE
The main reason was that it seemed like the easiest thing to do.

Aí você topa com o rascunho de “Frank Sinatra Está Resfriado”, sua reportagem mais conhecida e um clássico incontestável das faculdades de jornalismo:

Clique para ver maior

INTERVIEWER
Did you write as slowly and carefully then as you do now?

TALESE
All the other reporters of my generation would come back from an assignment and be done with their piece in a half hour. For the rest of the afternoon they’d be reading books or playing cards or drinking coffee in the cafeteria, and I was always very much alone. I didn’t carry on conversations during those hours. I just wanted to make my article perfect, or as good as I could get it. So I rewrote and rewrote, feeling that I needed every minute of the working day to improve my work. I did this because I didn’t believe that it was just journalism, thrown away the next day with the trash. I always had a sense of tomorrow. I never turned in anything more than two minutes before deadline. It was never easy, I felt I had only one chance.

Q: But at least a couple times, I’ve been moved to tears by your books. The passage in Timequake when you discuss the last conversation you had with your first wife is devastating.

Vonnegut: Yeah. [Long pause] I got that right, didn’t I?

Q: Perhaps hiding those moments between all of the jokes gives them particular impact.

Vonnegut: Well, the telling of jokes is an art of its own, and it always rises from some emotional threat. The best jokes are dangerous, and dangerous because they are in some way truthful. By the way, do you know the secret of telling a joke well?

Q: [Tries to answer, but he beats me to it]

Vonnegut: TIMING! [Laughs]

É algo que o jornalismo absorveu da sociedade e transformou em técnica (não o contrário): decupar massas complexas, muitas vezes ininteligíveis, de informação e vácuos de informação em algo sucinto e ordenado, ornado por agradável cheiro de senso comum. Ou, no trato popular, nada mais do que uma modalidade da fofoca junto ao bebedouro, num intervalo do batente - é preciso um mínimo de concisão pra transmitir o dado/interpretação a tempo de voltar à escrivaninha.

No caso de MJ, há ainda bela mistura de excesso de informação acessória e quase absoluta ausência de informação essencial, combinação que fermenta há anos em nossas cabeças cheias de imagens - os beijos gelados em Lisa Marie, o não-nariz, o bebê chacoalhado da sacada.

Divago, mas meu ponto é simples: não tínhamos, e continuaremos sem ter, como conhecer o cara, ou mesmo a maioria das pessoas que encontramos. É mais do que dizer que as pessoas são complexas: é afirmar que são intermináveis. Ou, empregando frase do Antônio Lobo Antunes na Flip: “Não há profundidade, há infinitas superfícies.”

Meu próprio impulso besta é sentir pena de MJ. Ideia de reação correta: aceitar que não se sabe nada.

Conheçam Tim & Eric e sua paródia de Mark Salud:

Boa noite.

Fuçando entre vídeos antigos do Who, inevitavelmente topo com aqueles gravados após 1978, ano da morte de seu baterista, Keith Moon. No lugar, foi escalado Kenney Jones, ex-Faces (banda de Rod Stewart e de Ron Wood). A força do contraste torna melancólico assistir a esses vídeos.

O trabalho de Jones foi difícil demais: substituir o maior baterista da história do rock - ou segundo maior, caso o leitor seja partidário de John Bonham. E o mais carismático, louco e anárquico também. Não havia vitória possível.

Não houve, realmente. Jones é lembrado, se tanto, como um elemento que prolongou a existência da banda numa época difícil, apresentando-se de forma digna. E só. Logo ele, um baterista de grande técnica e força, de precisão quase metronômica; total oposto de Moon nesse último quesito. O cara é, e já era então, um puta baterista. À sombra de Moon, porém, ele não deixou marca ou legado na banda, que integrou por alguns poucos anos. Essas coisas acontecem.

O que me atrai mais, começo a constatar, é a ausência total de cinismo em Springsteen. Nem em letras e arranjos nem em performance. Até os exageros emocionais parecem genuínos. Não há notas falsas no discurso blue collar dele, em suas histórias de pobreza material e grandeza moral, em seus relatos de amor entre pessoas machucadas pela vida. É um grande contador de histórias.

A forte identidade americana não me afasta (geralmente não afasta mesmo), Springsteen faz bem mais que filtrar a mentalidade do país em forma de música. Ouço “Thunder Road” cada vez mais transtornado pelas imagens dessa canção. Está tudo lá: amor perdido, medo, coragem, fragilidade, entrega, assombro. Fico emocionado de verdade.

Posso estar chafurdando numa visão melodramática de mundo, mas vejo cada vez menos espaço para esse tipo de enternecimento. Algo mais do que a lágrima socialmente aceita quando induzida por comédias românticas. Pouca coisa além disso, o cinismo geral rotula cafona, brega, ingênuo.

A música de Springsteen é imune a esse ataque. É direta e honesta. E emocional sem abdicar da razão (nunca; quem me conhece sabe minha ênfase nisso). É, em resumo, uma boa forma de encarar a vida. Algo como o clipe de “Dancing in the Dark“.

Abaixo, fiz uma playlist só de pérolas. Apreciem.

Ora, permitam-me discordar, item por item.

1. “Informa”: Seria, creio, a função básica de um veículo como esse. Incrível como falham miseravelmente. Há notícias, mas geralmentes atrasadas, incompletas ou desatualizadas. Em alguns momentos, simplesmente falaciosas. Um exemplo: estudo divulgado pela Federação Internacional da Indústria Fonográfica afirma que 95% das músicas baixadas pela internet são ilegais. A “TV Minuto” optou por retirar a origem da afirmação e tascou: “95% das músicas baixadas na internet são ilegais” (cito de memória, mas era próximo disso). Sem a fonte da estatística, cria-se uma perspectiva enganosa. É pura desinformação. Não há desculpas para isso. Não há falta de espaço - alguns caracteres a mais resolveriam a situação; poderiam até montar a notícia em 2 frames, já que as famigeradas “dicas de saúde” geralmente tomam 3. Também não é aceitável argumentar que é da natureza do veículo ser breve e superficial. Todo veículo pretensamente jornalístico, qualquer que seja sua linha editorial, tem responsabilidade de informar corretamente.

2. “Educa”: As únicas mensagens realmente úteis que vi dizem respeito a instruções de uso do metrô e de suas instalações. As “dicas de saúde” oscilam entre a obviedade e, claro, a superficialidade incompleta do veículo. Além do mais, qualquer veículo com intenções educativas merece o fracasso.

3. “Diverte”: Apego-me ao significado “fazer esquecer, distrair a atenção” do verbo. Para os que consideram propaganda uma fonte de diversão, a “TV Minuto”, nesse ponto, alcança êxito. Até porque as propagandas não são feitas por eles e, em sua maioria, possuem muito mais poder de síntese e de transmissão de mensagem do que as notícias preparadas pela “TV Minuto”, que acha graça em noticiar o lançamento de um produto “curioso” sem se dar ao trabalho de dizer ao menos o nome do fabricante.

4. “Entretém”: Nesse ponto a “TV Minuto” se sai muito bem. Lembro-me como se fosse hoje da vez em que um velho num terno puído entusiasmou-se com a propaganda de uma peça de teatro veiculada no monitor. Sentava-me ao lado dele. Cutucou-me e disse que por 20 anos trabalhara como ator e, por coincidência, havia interpretado o personagem principal daquela mesma peça de um conhecido autor canadense. Eu, de fones de ouvido pendurado nas orelhas, ouvi a história simulando atenção. Na tela, surge uma imagem do elenco. O velho cerra os punhos e abre a boca, como se gritasse. Apontando para o monitor, sussurra, sem ar: “sou eu nessa foto!”. Olho para a tela e vejo o rosto rejuvenescido do velho na expressão do ator. “SOU EU”, o velho grita. As portas se abrem na estação Brás e o velho corre para fora do trem, corre na direção contrária da entrada dos passageiros, entre empurrões e cotoveladas, posta-se na beira da mureta da plataforma e se atira, de braços abertos em direção ao solo da praça do Largo da Concórdia. Esse fato entreteu-me bastante, graças à “TV Minuto”.

De modo geral, preferiria vagões com o mínimo possível de poluição visual. Às vezes, inadvertidamente, me pego observando os monitores de LCD e seu carrossel de imagens. Minha mente vaga; meus olhos focam-se no vazio. O apito da porta automática me traz de volta à realidade.

Quem quiser jogar, me adicione: username generico no Steam.

NÃO FAÇAM ADAPTAÇÕES.

Percebam que o ponto não estaria incluso na frase, que contaria portanto com metade dos caracteres possíveis e, em nome da simplicidade, dispensaria a cor adicional além do vermelho-sangue. Cor que não falta no jogo Dead Space, blockbuster da jogatina que, por mais que digam que merecia filme - não.

Sugestão obviamente gritada ao vento e para ninguém, pois é próprio da indústria de entretenimento a reciclagem. Nada mais natural. Um elemento escasso - idéias rentáveis - tende a ser preservado.

Mas convenhamos que adaptações são, em princípio, desnecessárias.

Não digo que eventualmente bem-sucedidas e até mesmo úteis, mas simplesmente desnecessárias. Trata-se, por definição, da mesma coisa que você viu antes, só que acomodada para formato diferente.

Se fazem isso com sua comida, por exemplo, você fica incomodado.

Fico imaginando uma possível adaptação do Dead Space. Ou melhor, nem preciso imaginar porque já fizeram algo próximo disso: um desenho animado que serve de “preparação” para a história do jogo.

No jogo, você é um engenheiro enviado para uma nave mineradora que perdeu contato e, aparentemente, foi tomada por uma entidade alienígena que possui e deforma os corpos da tripulação. No desenho, você vê como a bagunça começa.

Na adaptação, tudo que é aparente está lá: o cenário, o mote, parte dos personagens, os vilões, o clima, o sangue. Mas a essência do que torna Dead Space, o jogo, algo mais do que uma seqüência de cliques na memória dos tendões da sua mão é a sensação de caminhar nos corredores vazios da gigantesca nave e, ao avistar um dos inimigos grandões e destrambelhados, pensar em termos de “devo arrancar o braço dele, para que tenha menos chance de me acertar, ou as pernas, para que fique mais lento”?

Não costumo fazer esse tipo de escolha no meu dia a dia, com exceção de algumas refeições.

E não só o prazer insano desse tipo de escolha, mas a viagem de abrir caminho de um ponto a outro do cenário, sem muita certeza de que as decisões que você fez antes podem ser uma boa idéia dali por diante.

Reproduzindo o belo insight dessa crítica de Gears of War 2 do ActionButton: esse tipo de elemento seria justamente um dos primeiros a ser cortado num filme de ação, por exemplo. Teríamos, no máximo, uma ou duas cenas estabelecendo esse tipo de situação, e o resto seria preenchido por algum plot flácido e um interesse romântico qualquer, que culminaria numa batalha final cheia de explosões.

O jogo, tão concentrado numa mecânica simples de progresso linear e combate violento, dispensa adaptações, pois o melhor de si funciona apenas como jogo. É o melhor formato possível.

Com esse arquivo fotográfico online de MILHÕES de fotos da revista Life, o Google continua a ser a melhor empresa-potencialmente-maléfica-mas-que-adoramos do mundo.

Em Quantum of Solace, seguindo a linha de Casino Royale, 007 é refeito como personagem pretensamente esférico (afe…), mais assassino que agente secreto. A diversão da série, porém, ficou para trás.

Que mal havia no assassino mascarado de presença quase sobrenatural e, na maioria das vezes, inexplicável? E qual era mesmo o problema do Bond irônico, maior-que-a-vida, lutando contra vilões caricatos? Com tanta tentativa de realismo, parecem desconfiar da capacidade do público de suspender a descrença, ou da própria habilidade de viabilizá-la.

Melvins - The Kicking Machine - SP from Thiago Kazu on Vimeo.

Música do disco mais recente, Nude With Boots, coisa fina, violenta, indelicada e insuperável.

Do excelente blog See Mike Draw.

We’ll do more and more reading on screens, but they won’t replace paper—never mind what your friend with a Kindle tells you. Rather, paper seems to be the new Prozac. A balm for the distracted mind. It’s contained, offline, tactile.

“How we read online”, na Slate.

Como a maioria dos filmes do Spielberg, esse Indiana Jones e a Caveira de Cristal consegue ser ao mesmo tempo um blockbuster inquestionável e colossal em termos de marketing e finanças (paremos para imaginar quantas árvores são derrubadas apenas para imprimir os milhões de tíquetes de entrada desse filme…; agora paremos de imaginar tal baboseira que não leva a lugar nenhum), mas também uma obra absolutamente contaminada pelos tempos atuais. Ou propositalmente pensada para refleti-los, o que for mais próximo da sua crença religiosa.

No caso do Indiana, a carga de propósito me parece bem maior do que nos episódios anteriores. Aqui, o “ladrão de tumbas” cai de cabeça no maior sintoma dos tempos modernos: a paranóia.

Ela está em todos os cantos do filme, algumas vezes travestida de anacronismo, outras, de metáfora contemporânea. Está tudo lá: o medo do comunismo, versão atualizada do “mal estrangeiro” que nos filmes anteriores foram o nazismo e um culto maluco indiano, mas que numa 15ª versão pode vir a se tornar o extremismo islâmico; a paranóia nuclear, ou da destruição do mundo, revista hoje sob a forma das mudanças climáticas; a paranóia da informação, tanto o medo da falta como do excesso (que, no filme, mata). Fora os aliens, que não deixam de ser uma mistura disso tudo, acrescido do charme intergalático.

Pra mim, mais importante do que o tema da paranóia é a sensação dela. Tudo razoavelmente subterrâneo, apenas o suficiente para sintonizar-se com a frequência do público atual, muito diferente daquele de 20 anos atrás.

O que permanece mais ou menos intacta é a moldura da série, a forma como Spielberg encaixa as mesmas peças cheias de pó. A história, particularmente, não significa muita coisa. Na verdade, parece francamente material de segunda linha, escolhido porque, de tão genérico, poderia ser moldado mais facilmente às necessidades de um Retorno depois de 20 anos, com todas as implicações de envelhecimento de elenco e personagens inclusos.

Coube a Spielberg um trabalho aparentemente não tão difícil para um gênio como ele - filmar com a linguagem e os elementos consagrados dos filmes anteriores. O uso do movimento da câmera para revelar perigos e surpresas, o diálogo canastrão, a preservação dos ícones - o chicote e o chapéu, os personagens abraçando a contragosto caveiras, as teias de aranha iluminadas por tochas, os insetos de tamanho assustador. O homem sabe fazer tudo isso sem precisar olhar no monitor.

Como parte integrante da série, esse episódio dá conta do recado. Mas a contribuição maior foi atualizar a viabilidade do personagem e de seu universo. É bom saber que o chapéu continua com Indiana.

Talvez seja apenas um treinamento para a vida pós-civilização.

Uma obra como a dele implora por análises e discussões. Não faltam. Gosto muito do Kubrick Site, que inclui algumas ótimas entrevistas com o homem. E essa coletânea de artigos da revista Cult também vale uma olhada. Faixa-bônus: uma interpretação didática de 2001; coisa velha, mas divertida.

Mas uma banda especial era o Replacements.

Óbvio que o cenário de desolação e vazio em São Paulo justifica-se com poucas informações a título de contextualização: é um final de semana atípico, enxertado num feriado de segunda, e o horário, no metrô, é notadamente incomum; funciona uns 45 minutos a mais no sábado, fato talvez pouco conhecido. Além do mais, madrugadas são tipicamente desertas. Não há surpresa nisso.

A plataforma vazia, no entanto, tem um charme indiscutível. É o fascínio pelo abandono da cidade. Abandono pressupõe rompimento de relação de posse ou controle. É justamente isso. A cidade abandonada é a cidade sem seus criadores, os homens. É a metáfora da ausência de Deus. Por que perturba? Talvez porque sintamos com mais essa ausência, provavelmente verdadeira…

Seria a experiência religiosa simplesmente a necessidade de presença? De companhia no mundo. Se sim, Deus torna-se contingência. E criação humana, como as cidades.

Ah, vou dormir.

Dias depois, resolvi conceder uma segunda chance ao St. Anger, disco mais massacrado do Metallica. Não sei dizer porque. Deve ser aí que entra em jogo o otimismo; irracional, cego e sem conhecimento de história (fadado a repetí-la). A crença de que não apenas as coisas em si podem mudar para melhor, mas também nossa percepção delas.

Claro que o disco permanece completamente inaudível.

Respirei fundo e pensei comigo: “tudo bem, é só dessa vez. Devo conseguir evitar o otimismo pro resto da vida.”

Quando o carro finalmente parou e pude abrir os olhos, estávamos num grande galpão coberto com telhas de alumínio e impregnado de cheiro de lingüiça assada. Os colegas de Almir faziam um churrasco sem trilha sonora, andando como zumbis em torno da churrasqueira, com copos de plástico na mão. Ninguém falava muito. Olhei para o centro do galpão. Erguido sobre uma dezena de cavaletes de metal, estava um vagão do metrô.

A parte mais difícil é trazer pra cá, depois é mais fácil de desmontar que um Corsa, informou-me Almir, antecipando a pergunta óbvia. O desmanche de vagões de metrô era um negócio em plena expansão, ele me disse. A demanda era alta e a oferta, diminuta.

Com um aparelho parecido com uma furadeira, mas com ponta de chave allen, ele desparafusou a moldura de metal em volta de uma porta do vagão. Moleza, ele disse, e me passou o aparelho. Desparafusei a soleira de metal. Saiu facilmente. Almir soltou um “iha!”, como fazia sempre que dizia algo esperto ou surpreendia alguém com um gesto inesperado. Fazia isso sempre. No ponto de ônibus, abordava meninas bonitas perguntando se elas esperavam há muito tempo ali. Geralmente diziam que sim. Sem perder a deixa, assobiava para um amigo próximo, que estacionava seu Voyage 1986 azul-marinho em frente ao ponto. Oferecia à moça uma carona. “Iha!”

Perguntei sobre a cabine. Não, ele disse, nem todos têm cabine. Não operavam desse tipo, apenas os vagões comuns. Repeti minha dúvida sobre como eles traziam o vagão até o galpão.

Essa informação é justamente o que diferencia a gente dos desmanches comuns, ele repondeu, dando a entender que era um pedaço de conhecimento valioso demais para ser discutido. Mesmo entre amigos. O que éramos, apesar das surras que eventualmente me aplicava no primário. A primeira vez que o atingi com uma cotovelada no queixo, ele deixou de me agredir por qualquer motivo. Passamos a nos esmurrar sem motivo, por diversão. Foi nessa época que me disse ter roubado o primeiro carro. Condenei a atitude apenas uma vez, e depois perguntei como era que se fazia. Várias formas, ele disse, mas prefiro usar o ferrinho. Fazia com que se sentisse hábil em alguma coisa, notei. Nunca o encorajei, mas vez ou outra perguntava sobre seu balanço mensal.

Nunca ouvi falar sobre roubos de vagões de metrô, informei-lhe. Ele coçou a cabeça cheia de cabelos pretos e enrolados como porcas e disse, sorrindo: é bom mesmo que não, notícia assim não beneficia ninguém. Concordei com sua lógica. Ele apontou para a churrasqueira e disse, pega lá.

Antes de ir embora, tirou do bolso uma daquelas plaquinhas que ficam rebitadas nas portas do metrô, com o bonequinho e o aviso para que se mantenha a mão longe da porta. “Iha!” Pus a venda por conta própria e entrei no carro.

Todos os “dude” em The Big Lebowski, um dos vários filmes perfeitos dos Coen.

Atualização: Rafael Capanema informa que “essa é mais velha que aquele GIF DO BEBEZINHO 3D DANÇANDO”.

O guitarrista, D. Boon, veio com a idéia de igualdade no som da banda e a resolveu de forma inteligente: quase nunca usava distorção ou power chords e tirava os graves e os médios da guitarra, deixando espaço livre para o baixo de Mike Watt. Cabia ao MONSTRO George Hurley costurar tudo com a bateria. O resultado era uma mistura inclassificável de punk, jazz e funk aplicada em doses ultraconcentradas - as músicas raramente passavam de 2 minutos.

O melhor exemplo é o álbum duplo Double Nickels on the Dime, clássico absoluto, com 45 faixas. Para eles, o que interessava era a essência das músicas e o fluir delas no disco. Impressionismo punk da melhor qualidade. E muito bem tocado. E criativo pra diabo.

Como documentário, tudo muda.

Os personagens são um achado. De um lado, Billy Mitchell, o superstar do professional-retro-gaming, o detentor do recorde absoluto no jogo desde a década de 1980, o empresário bem-sucedido do ramo de molhos, o patriota de gravata com a bandeira dos EUA. Do outro, Steve Wiebe, o pai de família, o professor de escola primária, o cara que tentou a sorte em áreas como o esporte e a música e nunca se realizou em nada, o abnegado com tendências obssessivo-compulsivas e muito a provar a si mesmo.

O antagonismos dos dois, ainda que mostrado em forma de luta entre bem e mal, surpreende pelo humor e pelo suspense. Durante todo o filme, Wiebe se submete ao escrutínio e à pressão da comunidade dos jogos (e pela própria equipe do documentário…) em busca de um duelo direto com Mitchell, que insiste em se manter oculto, rondar de carro os locais de competição, enviar fitas com recordes suspeitos e acionar capangas para monitorar o desempenho do adversário.

Da mesma forma que Murderball, o truque do diretor Seth Gordon é se aprofundar nos personagens e entender seu mundo e o que os motiva, sem julgamentos. Em ambos, a fome por realização pessoal é tudo. A novidade é mostrar que a fonte dessa realização pode vir de qualquer lugar.

A justificativa oferecida é simples: como a legislação não prevê essas modalidades de campanha, logo estão proibidas. Preguiça ou incompetência?

Sobre os jogos, então, não tem nem como comentar. Pura indigência mental.

Minutemen em ação com The Glory of Men, clássico de Double Nickels on the Dime. Esse D. Boon realmente era o cara.

Sem jeito, pergunto do livro. Seu título, seu autor, seu conteúdo. Ela coça o canto dos lábios planos de seriedade com a ponta da unha negra e começa a contar uma história. Aos 15 anos, sua vizinha em Santos, onde morava, disse ter descoberto o Diabo no guarda-roupas. Marcelina, cínica mas curiosa, vai comprovar a informação. Ao abrir o guarda-roupas, vê o Diabo. Diferente de suas expectativas, parece um boneco feito com cinco pedaços de carvão, sem rosto, boca, rabo, olhos, dedos, orelha ou qualquer outro traço que lhe confira fisionomia. Também não carrega um tridente. Move-se lentamente, em gestos que causariam impressão de ameaçadores, não fossem feitos por tocos de carvão. Marcelina esfrega os dedos no Diabo e suja as pontas. Limpa a mão no vestido e pergunta ao Diabo se ele é mau como se costuma ouvir. A amiga responde que não. O toco de carvão acena com um movimento do tronco, como se confirmasse a informação. O aceno demora cerca meio minuto. Contrariando sua natureza, Marcelina aceita a resposta oferecida e faz um pedido ao Diabo. Neste ponto, Marcelina diz que o conteúdo do pedido está diretamente ligado ao livro que carrega, e que não pode revelá-lo. Estica o braço, aperta meu ombro, diz que está atrasada e vai embora.

Dois meses depois, numa mesa de bar na Augusta, exijo a continuação da história. Digo que perdi algumas noites de sono por causa dela. Alguns mistérios, mesmo inexistentes, merecem resolução. Ela diz que o Diabo, vil, mas receoso em ser demasiadamente mau e chamar atenção desnecessária para sua existência terrena em forma de carvão, concedeu-lhe o pedido com pequenas ressalvas. Uma, a de que não revelaria o conteúdo do livro a ninguém. Outra, que nunca possuísse livro algum além daquele.

As condições, inicialmente prosaicas aos olhos de Marcelina, começaram a lhe causar angústia após alguns anos. Lia tudo com pressa, de pé nas livrarias ou bancas de jornal, e amaldiçoava exemplares selados com plástico. Sem poder possuí-los, devorava sem digestão. Citava frases e parágrafos mas não conseguia contextualizar idéias. Discutia com facilidade apenas aspectos de sua vida diária ou experiências pessoais. Era divertida e inteligente, porém. Mantinha o bom humor e sabia ser agradável. Conhecemo-nos num bar da rua Augusta, falando de qualidades de tecidos.

Morre com duas facadas no pescoço ao se recusar a entregar o livro durante um assalto na Praça da República.

Se a busca pela originalidade musical fosse uma longa corrida de obstáculos, o Dillinger Escape Plan estaria ligeiramente à frente, apesar de haver trombado em todas as hastes ao longo do caminho e invadido as pistas alheias, sem cerimônias e pudores. A viagem desse quinteto americano aparentemente é invadir, saquear e estuprar gêneros, incorporando tudo a uma agenda sonora própria e pessoal - o mathcore/metalcore/grindcore com incursões breves e convolutas sobre áreas diversas como o pop, o jazz e a música eletrônica, sempre com sucesso e, diabos, certa classe peculiar. Por essa verve expansionista, tal qual um Império Romano dos riffs e da quebradeira, são considerados o futuro do metal.

Trecho de resenha para o Banana Mecânica sobre o último do Dillinger Escape Plan, Ire Works. Tem mais coisa minha lá também, nos arquivos: Danielson, Gram, Lenine, Mastodon, The Shins, Wilco, Lobão, Elliott Smith e Ecos Falsos. Mas vale uma boa olhada em tudo mais, há muitas boas indicações ali.

Entre cenas de rivalidade entre a seleção norte-americana e o treinador Joe Soares, ex-atleta do time e que foi treinar a seleção canadense, o filme mostra detalhes da vida cotidiana dos cadeirantes, mas vai além do arroz-com-feijão das abordagens habituais do assunto. Destaque o lento processo de recuperação de um recém-acidentado que passa pela reabilitação, volta para casa e se interessa pelo esporte. E também para a cena em que descrevem as recorrentes conversas em que mulheres curiosas sobre a capacidade sexual deles lutam para chegar até a pergunta fatídica: “mas ainda funciona… aí embaixo?”

Um filme que alcança a bela e difícil mistura de delicadeza e agressividade. Se há alguma lição a tirar, talvez seja esta: use o que tiver à disposição, da melhor forma possível, pare de reclamar um pouco e faça alguma coisa que preste na vida.

Diferente do basquete, por exemplo, em que todas partidas são um espetáculo de indução à dormência pelo seguido virar do placar, o futebol investe na potência do clímax. É como a questão da compressão e da dynamic range na música: cada vez mais, nivelam a experiência e jogam fora a nuance. Sem silêncio não há como apreciar o refrão emotivo e catártico. No futebol, há justamente esse senso de nuance.

A maioria dos jogos não é lá muito digna de nota. Mas quando há um jogo realmente bom, os entusiastas rapidamente o reconhecem como tal. E falam sobre ele, e discutem minúcias, e reproduzem jogadas com as mãos e os pés. O extraordinário se destaca. Resta a nós agradecer pelo jogo de canela e pelo beque pedreiro, nossos instrumentos de calibragem da alegria.

Cave crooner lúgubre ou Cave roqueiro, o homem sabe o que faz. Muito bom esse Dig, Lazarus, Dig!!!, disco lançado esse mês. E excelente o bigode ostentado no clipe, mais um daqueles em que Cave canta olhando para a câmera (1, 2, 3).

Como boa parte das verdadeiras decisões na vida, é emocional e não envolve cálculos. Pelo menos não cálculos que relacionem a decisão a outras áreas da vida (o dinheiro vai fazer falta? não há coisas mais importantes com que gastar dinheiro? etc), mas apenas avaliações internas da questão: qual modelo, qual formato, qual tamanho.

O importante é fazê-lo. Depois de muito tempo, constatei: o violão é o objeto ao qual dou mais importância e me relaciono. Mais do que o computador, o tocador de música ou o relógio de pulso. Passo bem sem qualquer dessas coisas por muito tempo sem dar pela falta delas. Quando viajo, esqueço o e-mail ou a internet; a música pode vir de várias fontes, inclusive da simples memória; o tempo se impõe naturalmente. Mas o violão é insubstituível. Quando não posso levá-lo, faz falta. É em grande parte o ato físico de empunhá-lo, atingir as cordas, fazer emanar som. Mas também é o ato de afeto, de parceria e de extrema fragilidade que existe na relação entre o tocador e o violão. A mesma fragilidade que mantém a tensão e o fascínio pela figura do trovador - um solitário e seu violão contra o mundo.

A parte menos romântica da história é que também é preciso seguir em frente. Junto com a constatação da importância do instrumento, veio a segunda: preciso de um MELHOR.

O meu Condor CS22, coitado, sempre foi simplório. Como eu continuo sendo, músico amador de técnica limitada e sem repertório. Mas alguém tem que seguir em frente. Há tantos violões por se tocar.

A busca agora é pelo exemplar exato. Tudo importa: o peso, a cor, o cheiro, a textura da madeira contra a pele, a concavidade do braço, o timbre, o volume do som. Todos são diferentes entre si - esse audioslide do NYT sobre a fábrica da Martin é um exemplo perfeito do tipo de magia que um bom violão pode exercer. Aliás, o Martin HD-28 é o sonho de consumo, a 3.300 dólares.

A caça começa em abril.

Como resumiu o Alexandre Matias, é o photoshop do som. Vejam o vídeo:

A julgar pela amostra, não haveria mais limites para a manipulação sonora. Seria o esvaziamento total da performance? Ou justamente o contrário? Tendo a apostar na segunda hipótese.

Imaginem: se até hoje somos iludidos facilmente por manipulações visuais razoavelmente bem-feitas, a nanomanipulação sonora (ou sei lá que termo usar pra isso; supermanipulação?), totalmente inédita nesses termos, seria praticamente indistingüível da coisa real (real onde mais?). Como identificar o que não é manipulado, ou é manipulado em níveis “normais”, do que é ajustado com o Melodyne? (Meu deus, olhem esse nome. Sci-Fi pura, sem gelo)

E qual o papel do instrumento musical? Um periférico qualquer? Mero meio de input grosseiro? Se unirmos o sampling, o sintetizador, o emulador e o Melodyne, caixinha de fósforo pode virar bateria eletrônica…

Ao mesmo tempo, a performance ao vivo pode ganhar mais importância cultural. De cara relembro o conceito de aura dos alemães da Escola de Frankfurt, de como esse senso de importância e relevância que emana da obra artística (que supostamente se esvaiu na “era da reproductibilidade técnica”) retorna com violência na era da simulação e da manipulação digital. Seria o tira-teima, a manifestação “honesta”, sem filtros. É de se perguntar o valor que conferiremos a essas coisas no futuro próximo, ou mesmo que conferimos hoje, mas o impacto dessa performance da música sem mediação ainda está pra ser visto.

Isso sem contar no impacto criativo. Se com mash-ups a coisa já atinge misturas incríveis, com esse programa o limite é infinito. Mais do que misturas, imaginem releituras de músicas conhecidas. Joy Division todo em acordes maiores, alegres e ensolarados. O desafio de fazer a banda A fazer um cover da banda B com suas próprias músicas. É tanta possibilidade, desde as mais imbecis às mais sofisticadas, que não vale a pena gastar todos os neurônios de uma só vez. Ao que parece, gastaremos todos juntos.

Isso se não for o vaporware mais sensacional já pseudofabricado.

Vou lá deitar pra ver se passa a dor de cabeça.

When the right hemisphere of the brain, the seat of emotion, is stimulated in the cerebral region presumed to control notions of self, and then the left hemisphere, the seat of language, is called upon to make sense of this nonexistent entity, the mind generates a “sensed presence”.
• A simulação de Deus

Looking down at the application, it blurred in front of my eyes. Could I really do this? Could I really become a — a car salesman? Me, a law abiding middle-aged American. A — gasp — college graduate (well, barely). A writer. A person sometimes described as soft spoken and reserved? Why was I applying for a job in one of the most loathed professions in our society?
• Na pele de um vendedor de carros

Crumb é um tímido rematado que se encurva, magro, se esconde atrás dos óculos e tem ar de quem conheceu mais pessoas do que teria desejado. Mais tarde, à mesa de um restaurante vietnamita da cidadezinha vizinha, ele explica: “Não vejo que interesse há em falar comigo. É muito melhor falar com Aline. Me perguntam: “Por que vocês se mudaram para a França?”. E eu digo: “Não sei. Aline, por que o fizemos?’”.
• Visita a Crumbland (só p/ assinantes folha/uol)

Lewis Black é a personificação da esquete Eu fico puto!, do Marcelo Mansfield, só que mais elaborado. O estilo… hmm, PUTO do Black é hilário, é a reclamação elevada ao status de arte humorística. Conhecia o cara de participações no Daily Show e de alguns especiais da HBO, em geral muito bons. Mas ver um comediante stand-up com um programa fixo é sempre temerário, já que, pelo que sei, parir 30 minutos de material cômico é mais difícil do que dar à luz um PredAlien.

A solução foi reduzir sua participação. Ele age como juiz que decide qual de duas personalidades ou instituições é mais maligna. No episódio de estréia, os réus eram Oprah e a Igreja Católica. Dois humoristas agem como advogados de acusação. É uma espécie de duelo indireto, já que cada comediante fala do próprio tema, sem dialogar com o outro. Black apenas preenche os espaços com tiradas curtas. Pouco revolucionário, mas engraçado, apesar do cara que acusa a Igreja construir mais da metade de suas punchlines em cima da palavra “boyfucking”.

A forma de organizar o prato, por exemplo. É um dos gestos com mais significado pois mistura tudo: a cultura, a fisiologia, o instinto, a psique (ou desejo). Poucas coisas são tão pessoais. E, ao mesmo tempo, num refeitório ou restaurante, é algo aberto, à mostra. E dá-lhe conversa, piscadela, piada, olhar atravessado por sobre o bife, alface no dente, soluço contido com esforço.

Ah, terráqueos.

Hoje, sou exatamente o que sonhei ser. Envelhecer, pra mim, é um objetivo, e eu juro pelo que há de mais sagrado que eu vou conseguir, e já estou conseguindo. Deus me livre de ficar eternamente jovem, e prefiro mil vezes ser bem esquecido do que mal lembrado. Texto de 2006 do Guilherme Arantes - um dos mestres do pop brasileiro, há alguns anos meio deixado de canto, infelizmente - refletindo sobre a carreira e suas escolhas (e acasos) na vida. Dica do camarada Sttevam.

Neal Casal, sintoma positivo do século XXI

Rompendo com o pessimismo e amargura habituais no que se refere à avaliação da vida como a vivemos hoje - trânsito, armas de destruição em massa portáteis e o fim dos aperfeiçoamentos estruturais do forno microondas -, até que não estamos mal. Veja, é uma avaliação possivelmente comprometida por algum entusiasmo benigno passageiro, mas não deixa de ter alguma validade. Não estamos mal: o Palmeiras finalmente tem não apenas um, mas dois meias-armadores; tornou-se razoavelmente seguro andar pelas ruas com um CD Player portátil (ninguém quer roubar um desses mais); uma novela que mistura mutantes, vampiros, Malhação, Lost e Senhor das Moscas consegue manter-se no ar, gerar seu desdobramento em uma temporada adicional, abalar a liderança de audiência na Globo e prover material para piadas irresistivelmente idiotas, tudo ao mesmo tempo. Citei apenas uma amostra de sinais positivos, aleatoriamente.

E tem o Neal Casal.

Músico obscuro mesmo em seu país de origem, é mais conhecido por tocar guitarra na banda de apoio do Ryan Adams, o Cardinals. É o Richie Sambora do Ryan Adams, numa comparação propositalmente babaca. A diferença é que, por acaso, o Neal Casal é melhor músico e compositor que o Ryan Adams. E lança discos mais consistentes. E parece prescindir de uma fama de bad boy desbocado para justificar sua presença no mundo.

Tomemos seu disco de 2006, por exemplo, No Wish To Reminisce (download). É o equivalente masculino a The Forgotten Arm, da Aimee Mann, de 2005: disco alt-country/folk/rock/pop perfeito, timbragem quente, letras simples, refrões de derreter os glóbulos vermelhos nas artérias. Do tipo que se tornaria fóssil numa prateleira, mas circula silenciosamente pela internet, como um boato implausível.

Não diga que uma época que permite esse tipo de achado não tem algo de irreparavelmente bom.

O que não é a mesma coisa que dizer que estamos mal informados. O mal informado é aquele à beira da morte, vítima da própria ignorância. É o cidadão que acende o cigarro sentado sobre um contêiner de dinamite e sorri. O verdadeiro mal informado mal consegue colocar os pés para fora de casa, visto que sua desinformação já o teria matado no caminho de volta do banheiro. Não somos mal informados, portanto.

Estaríamos apenas informados, então? No limite do necessário? Provavelmente. Como o moleque que pula dentro de uma piscina de bolinhas cheia demais e quase morre sufocado por uma de cor amarela que contém, entre outros dados, detalhes biográficos de Benazir Bhutto e nomes de conhecidos líderes da Al-Qaeda paquistanesa.

“At first, I thought it was bad that she cried, but then I thought she is a woman, give her a chance,” said Diane Fischel, a tailor and a grandmother, who cited the emotional display for deciding to vote for Mrs. Clinton in the Democratic primary instead of for Senator John McCain on the Republican side.

Clinton’s Message, and Moment, Won the Day (NYT)

Em contraponto, o camarada Hieronymous T. Poopsnatch faz uma análise mais ponderada em sua resenha no RateYourMusic:

A return to form….or formula, however you want to put it, depending on your relative affinity for cheesy, phony, overemotive vocals, canned arrangements, production that’s engineered within an inch of its life, and lyrics that crossed the line of self-parody long ago, then stepped back and took a shit on it.

Snipercat

Em todos jogos de tiro, tipo Call of Duty, minha maior diversão é executar as missões de SNIPER.

Cê fica lá longe, pagando de Mark Wahlberg, só mirando na cabeça dos outros e sentando o dedo naquela porra [/os tropadelite]. É a coisa mais covarde do mundo.

E justamente por ser algo tão covarde que meio que tenho pesadelos com isso. Às vezes ando na Paulista olhando para as janelas dos prédios, procurando pelo reflexo da mira telescópica (pelo menos na minha paranóia os caras não são tão profissionais), me escondendo atrás de arbustos e jogando bonecos 1:1 de mim mesmo na avenida para desviar atenção (e causar acidentes).

Daí juntei essa lembrança com o artigo abaixo, sobre a descoberta de que sonhos podem ser espécie de “treinamento” do cérebro para situações de risco, e fiquei satisfeito em saber que meu cérebro, ainda que discretamente, compartilha do meu receio.

Em réplica a essa constatação, pela primeira vez em anos não comi até passar mal, mas até ficar apenas moderadamente cheio.

A lista foi quase idêntica à minha própria, que só substitui Lucy and the Popsonics por Menino Canta Menina, do Instiga, de Campinas. E com menção honrosa para o Los Porongas, banda do Acre.

Pessoalmente, fiquei bastante satisfeito com a safra de bons discos desse ano. Muitas boas estréias, coisas promissoras surgindo. Ano que vem o ritmo deve se manter, com o primeiro do Bazar Pamplona (citação patrocinada pelo Rafael Capanema), o novo do Numismata (vi algumas novas músicas no show, são sensacionais) e, com sorte, um retorno dos Abimonistas.

Na pilha dos álbuns internacionais, não me preocupei em acompanhar os lançamentos, só os artistas queridos de sempre. O Sky Blue Sky, do Wilco, foi o preferido do ano por motivos puramente afetivos. É a melhor banda do mundo e o disco é praticamente perfeito. Gostei bastante do Wincing the Night Away, do Shins, apesar de ainda preferir o Oh, Inverted World. New Moon, do Elliott Smith, foi uma das grandes surpresas - um disco póstumo de sobras de estúdio que não perde em qualidade para o resto da discografia do cara. Coisa fina.

O Neon Bible, do Arcade Fire, não chamou minha atenção quando saiu e só fui ouvi-lo com atenção há uma semana. E é maravilhoso. Assim como All Hour Cymbals, do Yeasayer, grande banda que não conhecia, lembra um pouco o TV on the Radio (ouçam 2080). E o Midlake, de The Trials os Van Occupanther, belo disco do ano passado (ouçam Roscoe).

No mais, passei boa parte do ano chafurdando nas discografias completas do Neil Young e do Tom Waits, dois gênios absolutos, além de ouvir repetidamente o Blood on the Tracks, do Dylan, o meu favorito do homem.

Só conheci hoje. Muito maravilhoso.

Quantia desperdiçada: R$ 4,50 e dois passes de metrô.

Tropa de Elite é, realmente, muito bom. Vi no cinema, portanto uma versão ligeiramente diferente da que vazou há algumas semanas, pelo que li. A principal mudança, suponho, é a redução da narração em off do personagem de Wagner Moura. O que é curioso, já essa narração é o ponto fraco do filme, aquilo que o prejudica duplamente: trata-se não só de uma “muleta”, como disse o Hector Babenco, como dá brecha pra crítica de que é um filme fascista.

O lance do fascismo, imagino, surge facilmente porque essa narração mistura didatismo exagerado e ponto de vista do personagem numa coisa só. Em alguns momentos, não parece o Capitão Nascimento dando uma opinião, mas o diretor, José Padilha, querendo validar um argumento. Totalmente desnecessário. Talvez seja uma concessão ao mercado estrangeiro, onde o filme será certamente comercializado pelo Harvey Weinstein.

Pelo ponto de vista formal, a narração em off dilui muito a força do filme - que já é enorme, mas poderia ser ainda maior. A maioria das idéias poderia ser introduzida por diálogos ou encenação.

Fora esses problemas, na verdade pequenos, é um puta filme. Absurdamente bem filmado, fotografado e montado. E há um motivo para que cause tanta discussão: o tema é forte, e a visão de mundo dos personagens é dura. Corajoso, esse Padilha. Preciso urgentemente ver Ônibus 174 para comparar.

Descobri hoje que o brinquedo mais legal desenvolvido no século XXI (acho) está à venda no Brasil. É o Tickle Me Elmo, o boneco que se racha de dar risada. Se isso não é a felicidade automatizada, eu não sei mais o que pode ser.

A má notícia é que custa proibitivos R$ 299,90. Alcoolismo sai mais barato a curto prazo.

O vício reinante é West Wing. Como disse um amigo, devo ser a única pessoa com menos de 45 anos a assistir essa série sobre os bastidores do primeiro escalão da Casa Branca. É uma pena, pois a série tem tudo: atuações memoráveis, tensão, belos insights sobre as engrenagens da política (algumas peças devem ser iguais em todos os países), humor seco e diálogos tão bons que chego a ficar com dor de cabeça. Culpa do criador e principal roteirista, Aaron Sorkin, gênio da raça, o mesmo de Studio 60 on the Sunset Strip - outra ótima série, cancelada prematuramente.

O curioso de West Wing é que se trata de uma utopia de Sorkin: uma administração democrata com um presidente erudito, capaz e honesto; funcionários talentosos e bem-intencionados; uma mídia que, mais freqüentemente do que na realidade, faz perguntas pertinentes. Os erros, crises e escândalos - que acontecem em grande número - são verossímeis, mas nunca (ou até meados da 3ª temporada) deflagrados de má fé. Acho isso bom. Se houvesse traços de incompetência e corrupção nos personagens, imagino, a série seria insuportável. Real demais.

AM I RIGHT OR WHAT?

Pra mim, o único uso decente dos automóveis em todo século XX foi a cena de perseguição em Operação França.

Esse vídeo é minha droga ultimamente. Nunca falha. E é, de fato, bem histórico.

Young, pelo menos até essa época, sempre evitou aparições na televisão (algo que mudaria na década de 90, quando virou, oficialmente, “lenda do rock” e ícone aparentemente incontestável). Só o fato de ter aceito tocar no SNL já é incomum.

O velhinho ainda teve a manha de aparecer vestido de líder de gangue, com asseclas e tudo mais. O curioso é que essa formação específica - Steve Jordan na bateria, Charley Drayton no baixo e o amigo de longa data Frank ‘Poncho’ Sampedro, do Crazy Horse - só funcionou nessa única apresentação.

Há ainda a música em si. No final dos anos 80, Young saía de uma longa fase de fracassos comerciais e artísticos (trolhas como Trans e Re-ac-tor, em que ele se arriscou com vocoders e música eletrônica) e tinha acabado de perceber que andava funcionando melhor na freqüência da fúria. Rockin’ in the Free World é uma das melhores desse período, ambígua de doer, pseudo-elegia ianque que só um canadense podia fazer.

Essa apresentação no SNL é, de longe, a versão definitiva da música. Até o próprio Young acha isso. Tudo está perfeito: Steve Jordan em combustão, músicos trocando agressões entre si, dois solos completamente inviáveis, Young fugindo da câmera (esta é a versão editada; a transmissão ao vivo teve alguns planos vazios porque Young se mexia demais e saía de quadro), até os erros caem bem. Veja e chore.

Só febre e gripe pra dar clareza.

Rejeitados Pelo Diabo é um dos filmes mais humanistas dos últimos anos, apesar de mostrar psicopatas sádicos, policiais violentos e mais imoralidade por frame do que a maioria da produção cinematográfica norte-americana recente.

Na história, os membros remanescentes da família Firefly (apresentada no filme anterior de Rob Zombie, A Casa dos 1000 Cadáveres) saem em fuga da polícia após uma emboscada. No caminho, barbarizam alguns viajantes, matam outros por diversão e acabam fuzilados pela polícia.

Não há por quem torcer no filme, visto que todos são canalhas, de uma forma ou outra. Mas é justamente essa falta de referência de moralidade dentro do filme que obriga o espectador a buscá-la dentro de si.

E mais: ao tornar os assassinos protagonistas e examinar sua dinâmica familiar - eles se amam e se importam uns com os outros, cada um à sua maneira -, mostram que os sádicos e malvados, em toda sua brutalidade, são tão humanos quanto qualquer um. Zombie, também roteirista, descarta a idéia (da qual eu também discordo) de que psicopatas e, de uma forma mais abrangente, a violência sejam elementos “inumanos” ou “monstruosos”. O espectro humano abarca isso tudo também.

Não bastasse essa perspectiva completamente inesperada para um filme de terror supostamente irresponsável (bem, não deixa de ser), traz um dos finais mais absolutamente fenomenais que já vi, com os protagonistas rumando em direção à morte ao som de Free Bird, do Lynyrd Skynyrd.

Só me incomodou o efeito visual, digamos, da cena toda. Pareceu que o autor, com sua excelência, atingiu profundezas abissais da história do Rei e, portanto, incomodou o biografado, mexeu em feridas antigas e obscuríssimas etc. Como sabem os que leram, não é o caso. É puro transtorno financeiro e conceitual por parte do Rei, que lançou uma provocação interessante: se a vida é minha, porque devo deixar outro cara lucrar com ela? Que lucre eu, que posso (ou não) escrever sobre o que vivi, eventualmente. Afinal, o concreto da obra é produção alheia, o autor só transporta os carrinhos e preenche o molde. Hmm.

Pra mim, Robertão mataria a questão de outra forma: convocar a imprensa, dizer, “é, os fatos estão oquei, mas eita livrinho mal escrito, hein? Comprem por seu próprio risco.” Pronto.

“I love and treasure individuals as I meet them, I loathe and despise the groups they identify with and belong to.” - George Carlin

Minha filosofia, de forma mais sintética e brilhante.

Ontem, meio na surdina, o Wilco colocou no site a íntegra do novo disco, Sky Blue Sky, que só sai em maio.

Não adianta olhar de novo, já sumiu.

Era preciso estar em casa, com um fone de ouvido atravessado na cabeça, numa madrugada de sábado, com plena posse de informações & links & quicktime configurado.

Consegue ser ainda mais lindo que A Ghost Is Born, mais melódico, mais direto, mais genial. Jeff Tweedy demonstra uma incapacidade patológica de errar. A adição do guitarrista Nels Cline finalmente prova ser lance de gênio. Maio será um belo mês.

1 - Um dos livros mais mal editados graficamente que já tive em mãos, considerando a importância do lançamento e o tamanho da editora (a espanhola Planeta). Além do tamanho ser incômodo (21 cm x 28 cm), a opção de diagramação em duas colunas é estranha. Sem contar a capa, de causar sobressaltos e taquicardia de tão medonha;

2 - O cuidado com as fotos é mínimo. Além de poucas e visivelmente mal escolhidas, não têm identificada a data. Para completar o horror, trazem legendas risíveis, como “Roberto Carlos olhando além do horizonte”;

3 - Como obra que se pretende referencial sobre o Roberto Carlos, é triste ver que sonega a discografia do artista. Seria bacana ver uma lista completa de tudo que o cara lançou, das músicas que gravou, de quem compôs qual etc;

4 - Suspeito que o livro foi editado na pressa de aproveitar o final de ano, principalmente por acompanhar o lançamento do novo disco do RC e a exibição do especial de fim de ano. Não traz um índice onomástico, por exemplo, que seria bem útil. Além disso, o texto contém erros de português (p. 127: “Certa vez, Manoel Carlos pediu Cauby Peixoto e Ângela Maria para cantarem…”), repetições e muitos clichês (o “não precisou pedir duas vezes”, em particular, irrita muito);

5 - É até engraçado que RC venha condenar o livro. O autor é claramente partidário do cantor. Mais do que isso, adota um tom mitificador em vários trechos, com banalidades do tipo “E fulano de tal nunca imaginaria que estava diante daquele que se tornaria o maior artista popular da história do país” etc.

6 - Apesar de tudo, é a história do Rei, e Araújo, apesar de narrador de eficiência inconstante, dá conta do recado. Persistirei.

Na medida do possível.

É como um filme de faroeste. Eu sou John Wayne (Rastros do Ódio), elas são os peles-vermelhas. É uma terra sem lei. Quando as vejo, tenho a escolha de matá-las ou deixá-las viver. É sempre uma escolha, nunca um ato reflexo. Geralmente, as deixo viver, mas por pura preguiça. Quando escolho matá-las, freqüentemente escapam. Semanas depois, as reencontro, mais gordas, acompanhadas de pequenas proles, do tamanho e da cor de grãos de arroz estragados. Me sinto um canalha, mas as extermino. O método mais simples é esmagá-las. É comum que não morram imediatamente. Não desfiro golpes de misericórdia.

As baratas, flanando de lá pra cá, parecem tão mais dignas do que eu. A seu tempo, as matarei todas.

Daniel: sim, é meu sonho desde criança

Criação do Judd Apatow e com o Seth Rogen no elenco. Agora vou baixar Undeclared e prolongar a mágica.

Chefiado pelo amigo Luis e com colaboração de uma porção de gente (alguns jornalistas, infelizmente, inclusive eu), tá no ar o Banana Mecânica, site de música que aspira a abrangência GENUINAMENTE nacional. Sim, a idéia é ter colaboradores no Amapá escrevendo sobre a cena local, seja lá o que for que o pessoal da área esteja aprontando. Roberto Justus nos ensinou que ambição é fundamental na vida.

O site ainda passa por fase de ajustes, mas é aquela coisa: os méritos são todos do Luis e da turminha que ajuda, os erros são fruto do capitalismo, da máfia dos sanguessugas, do dossiê de conteúdo invisível e de mim mesmo, que falo que faço isto e aquilo e dou cano.

No mais, prometo a criação de 10 mil novos posts até o final de 2010.

Divertido e, em seu melhor, esclarecedor. Basta ficar atento a eventuais manobras retóricas e factuais, à moda Michael Moore.

Chora, cavaco.

Algo de que a princípio não gosto, mas achei que funcionou (na medida do possível) foi a estratégia quadrinhesca de encher a trama de personagens em um conflito ridiculamente desenvolvido e forçar situações extremas (morte, castração simbólica, abstinência sexual forçada, essas coisas). O subdesenvolvimento dos personagens veio como resposta infantil, mas até interessante, de estilo em relação aos dois filmes anteriores. Como se Ratner tirasse onda das pretensões artísticas de Bryan Singer com porralouquice sem personalidade e espalhafato acerebrado.

No mais, ao contrário do que parece numa leitura rápida que se baseie na contagem de cadáveres, o “confronto final” do título não se justifica em absoluto, já que um número respeitável de pontas soltas foram deixadas. E estabelececido um clima de estranheza e arbitrariedade narrativa que não existiam antes no filmes, mas que fazem parte da própria cultura de quadrinhos. Me refiro à questão da absoluta despreocupação em relação a justificativas decentes sobre mortes e ressurgimento de personagens. Fiquei com a impressão de que todo mundo que morreu ou foi “castrado” no filme pode perfeitamente retornar alegremente em uma provável seqüência. É muito dinheiro envolvido para a galera do Marvel Studios se preocupar com coerência, pelo amor de deus.

E fica aqui meu repúdio à rasteira referência aos Sentinelas no início do filme. Pra mim, esses seriam os melhores vilões possíveis para um filme dos mutantes. Avi Arad, liga pra mim que eu te explico melhor.

Para os que, por motivos obscuros para mim, ainda se interessam por algo que porventura venha a ser publicado aqui, sugiro assinar o RSS e viver a vida.

Vale dizer que uma das discussões mais recorrentes e polêmicas sobre a sci-fi é o caráter científico de suas histórias. O próprio nome do gênero entra em xeque. Alguns defendem a alternativa “ficção de especulação”, com a qual concordo: na sci-fi, em geral, o foco não está na ciência e nos pormenores tecnológicos, mas no exercício de imaginação e reflexão sobre a realidade humana.

De Volta Para o Futuro ignora o lado anal-retentivo desse debate e usa os elementos científicos só até o ponto em que eles não interfiram no roteiro e na fluidez da narrativa. O mais evidente paradoxo está no fato de Marty influir diretamente nos eventos que levaram ao início da relação de seus pais, inclusive alterando-os radicalmente. Esse problema até é mencionado e usado na trama, mas nunca ultrapassando os limites do inteligível.

Talvez a maior contribuição do filme para o gênero seja justamente essa liberdade teórica a serviço do efeito final na tela. Os personagens e as modificações que sofrem ao longo das indas e vindas temporais são o foco do filme, e não as hipotéticas possibilidades científicas da viagem no tempo. Não interessa examinar a lógica do gradual sumiço da mão de Marty na cena do baile, ou o real propósito de um “capacitor de fluxo” (?). Francamente, qual é a graça de se questionar isso?

Nesta primeira incursão, Argento apenas esboça a estilização extrema e a violência operística em que se transformarão suas cenas de assassinato. Em Suspiria, chega ao patamar do sublime. Aqui, ele ainda está no aquecimento, apesar da força de suas imagens. Poucas vezes o assassinato foi tão carregado de erotismo como nesse filme de Argento.

A história é bastante simples. Sam, um escritor americano, testemunha uma tentativa de assassinato de uma mulher numa galeria de arte, na Itália. Interrogado pela polícia, descobre que o assassino deve ser responsável por outras mortes - e que se tornou um suspeito. Começa então a fazer sua própria investigação sobre os crimes.

O grande cartão de visitas de Argento é a cena da galeria de arte. Num exercício de adorável cinefilia, o protagonista Sam enxerga a tentiva de assassinato através da vitrine transparente da galeria - uma exata representação da tela de cinema. Argento vai ainda mais longe, ao fazer que Sam tente entrar na cena do crime em andamento e fique preso entre as duas lâminas de vidro que separam a galeria da rua. Preciosa lição sobre os limites da relação entre espectador e filme.

Argento prossegue sua divagação cinéfila ao espalhar diversas referências sobre enquadramento sob forma de objetos retangulares que atraem a atenção dos personagens (fotografias, quadros). Pena que esses elementos não tenham sua importância devidamente discutida nos trechos finais. Desde seu primeiro filme, o ponto fraco de Argento está no roteiro. Ainda bem que há muitas compensações.

(A princípio queria chamá-lo MacGuffin, mas achei que ia ficar muito obscuro.)

Meu plano é chutar a sempre sedutora inércia e atualizar o blog diariamente com críticas, links, notícias, artigos e o que mais for interessante. O tom e o ritmo do trabalho deve vir com o tempo, supondo que tenha gás para tocá-lo dessa forma por mais de uma semana (considerando que todo o trabalho será feito de madrugada). Espero que só o fato de escrever minhas intenções aqui sirva como elemento de coação.

E não posso esquecer de uma coisa: colaborações serão mais do que bem-vindas. Quem gostar da idéia e quiser ajudar, mande um e-mail para dlimasouza arroba gmail ponto com.

Uma Chuva de Mulheres
Pierre Versins

As primeiras chegaram pelo começo de maio. Eram tão belas e desejáveis que os homens sonhavam todas as noites e as perseguiam todos os dias. Em pouco tempo souberam que jamais elas eram difíceis e até os homens tímidos estavam fascinados. Elas faziam o amor com um refinamento e uma sutileza que suplantavam a mais ardorosa rival terrestre. O número já grande de solteironas aumentava.

E elas continuavam tombando do céu, encantadoras e sensuais, eclipsando sem dúvidas a nossa mulher mais perfeita. O amor tomava todo o tempo dos homens.

Elas continuavam lindas e não envelheciam nunca.

Levou muito tempo para se aperceber que elas eram completamente estéreis. Assim, quando meio século mais tarde seus robustos amantes desembarcaram de Vênus, a maioria sobre a Terra eram homens decrépitos e mulheres muito velhas.

Eles foram muito gentis e trataram a todos sem nenhuma brutalidade…

Ah, mesmo que não tivesse nada a mais no disco, já valeria a pena pelo filme em si e pelo final mais maravilhoso dos últimos anos.

E caso alguém aí não tenha visto esse filme pensando ser um similar da série American Pie, sugiro pensar novamente. Diferente desse tipo de comédia, que parte de contextos sexualmente liberais (”vida de universitário”, festas etc) para em seguida reprimir o sexo das formas mais histericamente conservadoras e deprimentes, esse aqui toma o caminho inverso: parte da repressão para a liberação (com uma ressalva lá pela conclusão, infelizmente). Melhor comédia do ano passado, ao lado de Amor em Jogo.

Imagino que uma das razões dessa política de ferrenha sonegação de informação dos autores da série é a tentativa de alongamento da vida útil do programa. Quanto menos se descobre a cada episódio, mais deles podem ser produzidos; parece ser essa a lógica usada.

Tomara que essa política seja inteligentemente administrada. Acho saudáveis as fartas doses de bizarrice e mistério da série até agora, mas espero que JJ Abrams e turminha tenham em mente que esse tipo de abordagem cansa muito rápido. O masoquismo do público tem limite. Além do mais, informação a conta-gotas é técnica um tanto barata. Funciona muito bem no início, talvez durante as duas primeiras temporadas, mas deveria mudar depois. Aí está o grande desafio dos roteiristas: depois de preparar o terreno, acelerar o ritmo progressivamente. Minha principal referência é 24 Horas (meu seriado favorito), em que a regra é que cada episódio seja mais intenso que o anterior.

Também há outras questões. O uso de flashbacks em cada capítulo tende a cansar. Além disso, deve chegar um ponto em que não seja mais possível extrair flashbacks decentes dos personagens.

Minha idéia de futuro para o seriado envolve o abandono de flashbacks, a mudança de foco - de mistério para ação, drama e thriller - e o amadurecimento dos sobreviventes. Gostaria de vê-los organizando-se mais seriamente, com todas as implicações sociais e hierárquicas que podem surgir nesse tipo de situação.

Opa, vai começar o episódio de hoje. Vou ver se o Locke se salva de um balaço na cara.

Não pretendo voltar.

Foi lançado em 2001, teve duas temporadas de seis episódios cada e mais um especial de natal em duas partes. Feito como um pseudo-documentário, o seriado mostra o dia a dia dos funcionários do escritório de uma empresa inglesa.

Não bastasse o ambiente e os tipos serem perfeitamente reconhecíveis para qualquer um que já tenha trabalhado, o seriado ainda conta com um dos melhores personagens cômicos já criados: David Brent, o chefe do escritório. A interpretação de Ricky Gervais (também o autor e diretor) é assombrosa e inclemente. Brent é uma força da natureza nos quesitos mau gosto, egocentrismo, covardia e sede por atenção. E, mesmo assim, perfeitamente adorável.

The Office surpreende por não lembrar quase nunca uma sitcom. Humor sutil, que oscila entre o hilário, o patético e o deprimente com uma facilidade assustadora.

O Ocidente é apaixonadamente comprometido com seu valor de liberdade de expressão e os países islâmicos são apaixonadamente comprometidos com seu conceito de sagrado. Não há formas de mediar essa contradição e encontrar uma solução.

O historiador Robert Darnton resume o conflito simbolizado pela polêmica sobre as charges de Maomé, em entrevista ao caderno Mais!, na Folha de ontem.

(Link só para assinantes UOL)

Realmente, Lost é foda.

O grande lance do J.J. Abrams foi tomar o conhecido tema da ilha deserta e impor um ritmo de thriller. Aparentemente todos os personagens têm um ou mais segredos espúrios escondidos na manga, o que garante confortável margem de segurança para os roteiristas. O problema de convivência entre os personagens é outra tática conhecida utilizada logo de cara. Mas o mais interessante, por enquanto, é o potencial de terror e bizarrice que as ameaças da ilha podem oferecer. Claro, espero que não sejam dinossauros.

Munique, na forma, presta homenagem aos thrillers da década de 70 (Operação França vinha bastante à mente, inclusive com alguns planos idênticos e “realismo” semelhante), mas no conteúdo há uma certa reformulação de conceitos do gênero - a serviço de uma discussão política, claro.

Prefiro enxergar a mensagem num plano humano e geral. Mais do que uma pretensa tentativa de reconstituição do atentato terrorista nas Olimpíadas de 1972 e a posterior retaliação israelense, penso que o filme toma o fato histórico como exemplo de ato de violência gerado por uma cadeia de ódio e que, por si, funciona como catalisador de mais ódio. O conflito poderia ser entre qualquer grupo. A lógica e as consequências incontroláveis da vingança é que são o ponto do filme.

É evidente que o filme é simpático a Israel, mas não da maneira óbvia. Com um diretor judeu e financiadores judeus, não dá pra se esperar menos que isso. Se não existe imparcialidade absoluta nem no jornalismo, que dirá em uma obra de ficção - que, aliás, nem deve se preocupar com esse tipo de coisa. Munique é parcial, na medida em que assume o ponto de vista de agentes israelenses. Eles próprios questionam ou endossam suas ações e de seu governo. Os dramas de consciência são visíveis e têm consequências na trama. Abordagem madura e muito mais interessante do que outra possível - e que talvez fosse menos vulnerável a críticas -, que seria narrar a história de um ponto de vista afastado, “imparcial”. Spielberg não está em cima do muro: está do lado de Israel, questionando tanto as ações de Israel quanto dos palestinos.

E o filme é duro, seco. A espionagem passa ao largo do glamour. Os agentes são terrivelmente falhos, os planos não são perfeitos, o erro é sempre uma possibilidade próxima e cruel, o assassinato é sempre uma coisa horrenda. Eric Bana, interpretando o agente Daniel Avner, parece sempre o elemento mais frágil em cena. Dificilmente um herói spielberguiano.

Munique não deve agradar ao grande público.

LOS ANGELES, 2 fev (AFP) - O diretor de cinema neozelandês Lee Tamahori, 55, foi detido em 8 de janeiro, quando, vestido de travesti em Hollywood, ofereceu serviços sexuais a um agente policial à paisana, informou a polícia na quinta-feira.

“O senhor Tamahori foi preso por incitação à prostituição. Posso confirmar que estava vestido com roupa de mulher, quando foi detido”, disse o oficial Jason Lee, do Departamento de Polícia de Los Angeles.

Foto fornecida por Guilherme Gaspar

Bom, se eu tivesse filhos, preferiria que eles ouvissem crianças cantando Devo do que qualquer coisa da Eliana.

“‘A vida não é feita de amanhãs promissores, de crepúsculos encantados e baboseiras como essas. É trabalho. A pessoa a quem você ama raramente é digna do grande amor que você lhe dedica. Porque ninguém é digno disso e talvez ninguém mereça o fardo que isso representa. Você vai ser abandonado. Você vai se decepcionar, vai ter sua confiança traída e vai comer o pão que o diabo amassou. Você perde muito mais do que ganha. Você odeia a pessoa amada na mesma medida em que a ama. Mas, merda, você arregaça as mangas e trabalha - em tudo -, porque envelhecer é isso.’

Ela voltou a cabeça para ele, os olhos fechados, um sorriso sonhador na face. ‘O tempo todo.’”

Sobre Meninos e Lobos, de Douglas Lehane. Livro que merece o maravilhoso filme que originou.

Dito assim soa delírio completo - o que pode acabar sendo, claro - mas o longo, interessante e convincentemente otimista texto de Kurzweil expõe informações ao mesmo tempo fantásticas e assustadoras. Por um lado sugere que IAs milhões de vezes mais inteligentes que o homem podem nos levar a patamares tecnológicos literalmente inimagináveis hoje, mas também alerta para a possibilidade da criação de IAs terroristas e destrutivas.

Sem falar da possibilidade da IMORTALIDADE por meio da reengenharia genética.

Farei de tudo para me manter vivo até 2045.

No caso, esse filme de 2003 traz pelo menos uma novidade: um cara chamado Tony Jaa, novo astro asiático dos filmes do gênero por ser uma versão jovem, tailandesa e muito mais violenta do Jackie Chan. E o cara é MUITO bom.

Em vez de kung-fu, muai thai. Só isso muda bastante coisa nas cenas em si. É um estilo que se baseia em cotoveladas e joelhadas. Por isso é um certo choque ver quando um capanga é eliminado em câmera lenta com uma cotovelada no topo da cabeça.

Além disso, é inquietante ver que, aparentemente, boa parte das pancadas são REAIS. Só vendo para entender o que digo. A coisa toda é tão crua que você automaticamente pára de se empolgar com o filme e passa se preocupar com a integridade física dos atores e gritar ARGH quando um deles cai de cinco metros de altura, de costas, num chão de terra batida. Nenhum efeito digital ou cordinhas à vista, creio.

O diretor Prachya Pinkaew pode ter cacoetes irritantes, como inserir replays em câmera lenta de ângulos diferentes de certas cenas, mas acerta decisivamente ao registrar as proezas desse DEMENTE chamado Tony Jaa em planos abertos - o que boa parte dos diretores de ação não faz, infelizmente. Questão de tempo para ser assimilado por Hollywood e fazer dupla com o 50 Cent.

Aimee Mann - The Forgotten Arm
O mais interessante nesse disco é como se consegue preencher um álbum inteiro de pop/rock sólido, coerente e cativante com canções tão simples e diretas. Belíssima produção também, dá pra ouvir cada instrumento com clareza incomum.

Spoon - Gimme Fiction
Nunca havia escutado essa banda, e levou algumas audições para entender. Vale o esforço. O Spoon vai além do clichê “menos é mais”; no caso, menos é exato. Para entender, baixe I Turn My Camera On.

Supergrass - Road to Rouen
Em sequência ao maravilhoso Life on Other Planets, de 2002, o Supergrass entra na fase em que boa parte das bandas de rock passa: uma caótica revisão das próprias referências musicais. Agora os caras recorrem a Beatles, Stones, Led Zeppelin, Sly & the Family Stone, psicodelia e folk, às vezes em doses literais. Mas é muito bom, que diabos.

Antony and the Johnsons - I am a Bird Now
A voz desse Antony é uma das coisas mais arrepiantes que já ouvi. Acompanhada de piano, é até covardia.

Wilco - Kicking Television
Simplesmente o primeiro disco ao vivo da melhor banda do mundo.

Ed Harcourt - Strangers
Pouco conhecido, mas excelente, esse Ed Harcourt. Tem futuro. Álbum variado, cheio de canções lindas (baixem Let Love Not Weigh Me Down ou This One’s For You).

The Life Aquatic Soundtrack
Esse eu ouvi exaustivamente antes e depois de ter visto o (maravilhoso) filme. Até saiu recentemente o The Life Aquatic Studio Sessions featuring Seu Jorge, incluindo todas as músicas do David Bowie que o Seu Jorge gravou pro filme (só há cinco na trilha), mas tudo nesse disco é fantástico: Stooges (Search and Destroy), MAIS David Bowie (Queen Bitch e Life on Mars), Devo (Gut Feeling), mais instrumentais incríveis de Mark Mothersbaugh e Sven Libaek.

Mas a explicação oficial é que, depois de pesquisa, descobriram que os clientes acham que relógios não “aprimoram a experiência bancária”.

(Via BoingBoing)

:: Por outro lado, tirei o pó do videogame. Resident Evil 4, Shadow of the Colossus e Metal Gear 3 têm alegrado minhas madrugadas. Comentários a seguir.

:: Alguém viu o clipe de Just Want You to Know, do Backstreet Boys? Não bastasse ser hilário, me fez baixar a música e, neste instante, ouvi-la pela TERCEIRA VEZ consecutiva.

Na trama, um grupo de militares entediados após o fim da Guerra do Golfo - uma guerra “sem ação” - encontram um mapa que mostra onde se esconderiam o ouro kwaitiano roubado pelas tropas de Saddam Hussein. Decidem roubá-lo. O que se segue é uma sucessão de tiros, mesquinhez, corrupção, crueldade, tortura e pseudoredenção. Tudo embalado numa cinematografia fantástica, de cores saturadas, edição formidável e o talento desse diretor, que soube misturar pelo menos três gêneros (guerra, faroeste e “filme de roubo”) numa só obra.

Lágrimas.

M.I.A.: Música chata, batidas fracas, performance de palco bisonha e roupas pouco reveladoras. Os dedos médios em riste de parte da platéia disseram tudo.

Arcade Fire: Impressionante e lindo o show desses canadenses. Tirando a versão de “Aquarela do Brasil”, pela qual o público deve ter apresentado simpatia por mero ufanismo (haha), foi um show perfeito. Abriu com “Wake Up”, fechou com “Rebellion (Lies)”, do jeito que eu imaginava ser o ideal. Nesse meio, “Crown of Love” me surpreendeu por ser MARAVILHOSA ao vivo e quando chegou a hora de “Neighborhood #1 (Tunnels)”, talvez a minha favorita deles, eu já estava em frangalhos. Inesquecível.

Kings of Leon: Como sou um adepto do rock caipira americano (se tivesse uma banda, ia querer fazer esse tipo de som, entre outras misturas bastardas), os caras já chegaram com meio jogo ganho comigo. Mas confesso que achava que o show deles seria morno. Já tinha baixado vídeos e ouvido apresentações e, putz, soava mal. Eles apareciam blasé pra caralho, preguiçosos no palco. Por isso, na abertura, com uma versão enfadonha e lenta de “Molly’s Chambers”, achei que ia ser isso mesmo. Que nada: o que se seguiu foi o tipo de performance que eu queria dos caras. Pelo telão era possível ver o baterista RESFOLEGANDO e SOFRENDO. Deram tudo de si num show absolutamente boçal, rápido, vigoroso e divertido pra caralho. “Soft” deve ter sido o ponto alto e, porra, fechar com “Trani” é sacanagem, MELHOR MÚSICA.

Strokes: IGUAL O DISCO. O que não deixa de ser bom. Todas as músicas soavam como hits. Mas, oras, achei que o ponto alto foi “Juicebox”, uma das músicas novas. Rápida, com seções instrumentais diferentes e meio HARD ROCK. O melhor de tudo foi notar que Strokes - e, por extensão, boa parte da música indie (hã?) - pode se travestir facilmente de ROCK DE ARENA e divertir tanto quanto. Show conciso, belo fim de noite.

Considerações sobre elenco à parte, estou curioso para ver como Zack Snyder, diretor do maravilhoso remake de Madrugada dos Mortos, vai lidar com esse material. Pretendendo usar a mesma técnica de cenários digitais de Sin City e baseando-se em obra do mesmo autor, meu medo é que o cara caia no mesmo tipo de bobeira em que o Robert Rodriguez caiu, na minha opinião, que é a imbecilizante proposta de “tradução para a tela” do que está nas HQs.

Em Sin City, a idéia realmente funciona em termos visuais, de enquadramento, mas falha horrivelmente quanto ao ritmo. A impressão que tenho é que, tanto na tentativa de espremer em duas horas três tramas diferentes quanto pela falaciosa idéia de transpor fielmente a HQ para o cinema, o andamento das histórias fica rápido demais, entulhado, freneticamente burro. Com meia hora de filme já sentia meu cérebro dormente.

Algo que não acontece nas HQs por uma particularidade do meio: o tempo da história é controlado pelo leitor. O ato de folhear a página na revista obedece à necessidade de quem lê. Claro que essa necessidade parte de um estímulo: o bom autor (e Miller é) sabe lidar com as espectativas do leitor e contrapõe páginas agitadas, cheias de ação narrativa, a outras de contemplação, com painéis de página inteira.

Sin City, a graphic novel, funciona tão bem porque há, entre coisas como o fabuloso clima noir sem tons de cinza e os personagens deliciosamente irreais (elementos presentes no filme), essa equação entre ação e contemplação, que é justamente o que não banaliza as histórias.

Espero que o Zack Wylder deixe de lado essa bobagem do Rodriguez e adapte com boa infidelidade o material do Miller.

Puta show o dos Abimonistas. Destaque para as fabulosas canções “Eu Não Tenho Pinto” e “1000 Razões Que Explicam Um Pouco Por Que Eu Te Amo Tanto”.

Rapaz, que noite.

generico: Acho que a primeira coisa que todo mundo pergunta pra vocês é sobre a mudança musical do primeiro disco para o segundo. Que tipo de reações vocês esperavam do público e dos críticos?
Scott Henderson: Pra falar a verdade, nem ligamos pra isso. Não gosto de fazer música como se manufaturasse um produto, seguindo normas, respeitando o consumidor, sabe, fazendo o que o público espera. Não gosto dessa postura por parte de artista nenhum. Fizemos do jeito que nos pareceu bom.

Mas você esperava algum tipo de reação?
Sim, esperava esse tipo de pergunta dos jornalistas também. (risos) Sabia que muitos fãs torceriam o nariz, mas não quero fãs tapados que gostem de nossa música sem realmente ouvi-la. O ideal é quando existe espontaneidade dos dois lados: de nós, músicos, que devem criar livremente, e do público, que, a cada disco, julga se gosta ou não. Não espero fidelidade canina de ninguém.

Imagino que tenha então certa aversão a fã-clubes.
(risos) Um pouco. Mas há muita gente inteligente ouvindo nossa banda.

Como andam as vendas dos álbuns?
Muito ruins. Nada inesperado. Mas compensamos fazendo alguns shows por aí.

Quantas guitarras destruiu esse ano?
Cara, só três… Descobri que esse tipo de hábito custa dinheiro demais. Nem todo mundo pode ser Pete Townshend, por vários motivos.

Cite alguns.
Bem, o cara realmente sabia tocar guitarra. Hoje não sei, toca mais violão do que qualquer outra coisa, o que é bem triste. Mas talvez seja um problema meu, que sente saudade do vigor e da violência dele e do Who dos anos 60 e 70. Envelhecer é uma merda.

Isso significa que os dois anos entre o primeiro disco e Dirty Dawns pesou para que a brutalidade desse espaço à psicodelia?
Depois de uma breve discussão sobre se deveríamos incluir palavrões nas letras por causa de nossos filhos, que já estão na idade de entender o que cantamos, isso só pode ser verdade. Mas essa mudança de foco não significa necessariamente enfraquecimento. Ainda saímos cheios de hematomas e cortes superficiais dos shows.

O que acha das recentes comparações com o Flaming Lips?
Porra, o sangue do Wayne Coyne [vocalista do Flaming Lips] é de mentira. Isso deveria ser levado em consideração! (risos) Adoro o som dos caras, mas todos aqueles sintetizadores não me atraem muito. Gosto da idéia de criar com elementos mínimos. No caso, bateria, baixo, voz e guitarra. Desde o início eu quis trabalhar com esses instrumentos e fazer o máximo possível com eles. Fico pelo menos três horas por dia experimentando timbres, efeitos e outros tipos de maluquice com minhas guitarras, pedais e amplificadores em casa.

Mas boa parte do rock foi feito com esses mesmos instrumentos. O Screaming Gentlemen quer realmente soar diferente de tudo? Você descobriu algum tipo de terreno inexplorado por todos os outros grupos?
Sim, é uma pretensão que gosto de admitir. A guitarra elétrica tem, o que, sessenta anos? Acho pouquíssimo tempo para desenvolver toda a capacidade de uma ferramenta tão complexa. E isso deve valer para os outros instrumentos também. Não estou dizendo que vamos fazer diferente, mas estamos conscientemente tentando inovar. Minha idéia, a princípio, é transformar a banda em uma espécie de mini-orquestra. Em algumas faixas, temos oito canais com guitarras, cada uma tocada de um jeito diferente. Quero levar isso pro palco.

Quantos músicos adicionais seriam necessários?
Uns dez, mais ou menos. Não é muito viável, mas viver também não é.

Estranho otimismo.
Pode crer que essa declaração consumiu toda minha cota semanal. (risos)

As letras do novo disco estão cada vez mais niilistas…
(interrompendo) Ah, sim. Sim.

Por quê?
Simplesmente saem assim. Sabe, gostaria muito de ver algum tipo de esperança na raça humana, mas sou diariamente desencorajado quando leio jornais ou vou ao supermercado. Quase todo dia perguntam pra alguém da banda se somos malucos ou doentes por escrevermos essas letras absurdas… Mas há duas semanas descobriram, a menos de duas quadras de onde moro, um casal que adotou uma criança só para comê-la. A princípio fiquei chocado, mas depois cheguei à conclusão que o mundo inteiro parece estar se ajustando a essa mesma freqüência de pensamento, de nível de insanidade. Não dá pra usar o termo “loucura coletiva” porque loucura é desvio, e o que temos agora parece ser a nova norma do milênio. Ninguém vai se salvar. Nem nós e nossa música. Só estou registrando o clima à minha volta.

Atualização: Na mesma linha, Amor Sublime Amor convertido em filme de zumbi. E um do Titanic também.

Via Boing Boing.

Mudando radicalmente de direção, o Screaming Gentlemen trocou o que eu chamo de infernocore (haha) por um irresistível clima psicodélico. Só que, diferente do Flaming Lips, por exemplo, que usam uma infinidade de instrumentos e sintetizadores nas (maravilhosas) músicas, os caras do SG fazem quase tudo com guitarras e microfonias. É quase como se o Slayer mergulhasse no ácido.

O mais engraçado é que as letras continuam tão boçais como sempre. A faixa que abre o disco, Pigeons, é narrada por um cara que aprisiona pombos para amputar suas patas. Exquisite Hug é sobre um cara solitário que passa cola nas mãos e abraça a si mesmo. Grab my Heart é um épico de nove minutos sobre o dia em que as mãos de todos os seres humanos se desprenderam de seus corpos e invadiram a África. Nada faz sentido, mas é tudo fantástico.

Idéia para um MMORPG: Brasília On Fire, a experiência máxima em simulação da vida política brasileira. O jogador escolhe uma classe para seu personagem e, como é um jogo corporativista, tenta levar seus companheiros ao poder. Classes previstas: cavaleiro da oligarquia, portador da luz empresarial, paladino sindical, sábio intelectual de esquerda, caçador de dízimos, escudeiro da força estudantil, bardo da mídia, mago do judiciário, espião da ABIN, anão de partidos nanicos, trolls do funcionalismo público, elfos do capital internacional.

Idéia para um talk-show: diariamente, três convidados especiais entrevistam Jô Soares.

Idéia para um filme: Jackson Antunes vive um pai de família que, após ter sua casa invadida por ladrões, decide fazer justiça com as próprias mãos. Uma mistura de Desejo de Matar com Um Dia de Fúria, só que com mais explosões e diálogos em português.

Via StumbleUpon.

Em uma longa conversa com uma amiga Bianca, uma das pessoas que mais amo nesse planeta, falamos sobre como é importante termos paixões na vida - seja por outras pessoas como por atividades, artes etc; mais tarde, eu lia o seguinte trecho da entrevista do Henfil:

“Eu acho que o cara tem que ser rico interiormente, gostar de fazer, no mínimo, umas seis ou sete coisas. O cara que diz: ‘Eu me realizo fazendo jornalismo’, pô, esse cara é um pobre, é um cara atrofiado.”

Horas atrás, dou de cara com o artigo sobre o fim da monogamia e um novo paradigma de relações afetivas. Tudo isso parece se ligar pra mim. Não consigo imaginar minha vida restrita a uma só paixão. Cinema, música, literatura, chocolate, HQs, instrumentos musicais, culinária italiana, tecnologia, só pra citar coisas facilmente identificáveis, são assuntos pelos quais sou apaixonado. Um tipo muito particular de poligamia: as diferentes amantes conversam entre si, criam laços de amizade, apaixonam-se mutuamente.

Além de já ter aderido ao RSS e ao StumbleUpon, acabo de criar minha conta no Audioscrobbler. E ainda acho pouco. Pelo menos por enquanto. Será que a quantidade de estímulos externos um dia vai superar a capacidade do cérebro de absorvê-los?

“I do not believe that society will return to polygamy. Instead, we will move toward a radically new conception of sentimental and love relationships. Nothing forbids a person from being in love with a few people at the same time. Society rejects this possibility today primarily for economic reasons”

Para ele, o aumento da liberdade individual, o avanço dos métodos contraceptivos e o enfraquecimento da hipocrisia da sociedade revelarão algo que sempre esteve conosco, mas costuma ser combatido: a possibilidade de amar (no sentido romântico, imagino) mais de uma pessoa ao mesmo tempo.

O que me deixou mais fascinado foi como fatores como tecnologia, política e mídia podem contribuir para acabar com um pilar aparentemente sólido da sociedade (branca e ocidental, pelo menos). Fomos orientados desde o berço a encontrar uma pessoa com quem viver o resto da vida. Cada vez mais incapazes disso, o divórcio surgiu como instrumento mais ou menos aceitável de rotatividade nos relacionamentos. Mas até mesmo essa fórmula deve caminhar para o desgaste.

Como serão as canções românticas com o fim da monogamia? Mais longas, talvez.

Nada supera o Teste de Fidelidade. João Kléber é o maior gênio da televisão atualmente. Não é à toa que está exportando sua fórmula de sucesso. Deve ser a coisa mais divertida do mundo trabalhar como produtor ou roteirista do seu programa.

Enquanto escrevo, a noiva 19 anos mais nova que o desconfiado noivo está trancada no banheiro da Rede TV! com vergonha por ter sido flagrada dando uns malhos com Oliver, maior ator brasileiro vivo depois do Paulo César Pereio. O noivo esmurra a porta e passa mal.

Antes da imagens do teste, Joao Kléber passava um clipe do GEORGE MICHAEL em dueto com o ELTON JOHN como se os cantores estivessem AO VIVO NO PALCO.

As legendas são 100% honestas: “AS IMAGENS QUE VÃO SER EXIBIDAS AQUI VÃO DEIXAR VOCÊ PARALIZADO”.

Soft porn fake apresentado por um humorista fracassado: não consigo conceber melhor metáfora para o país.

Eu, um ponto branco em meio ao mar de camisetas negras do Anhembi, vi, com meus olhos verdes carcomidos, Rob Halford surgir no centro de um gigantesco olho vazado de pano e cantar Electric Eye, minha música favorita do Judas Priest.

Sim, estive lá. Cantei quase todas junto.

O metal segue sendo uma coisa enigmática e apaixonante. Se por um lado consegue ultrapassar as fronteiras do ridículo com mais frequência do que qualquer outro gênero, mantém-se um dos mais divertidos. Talvez exatamente por essa oscilação. Até hoje escuto meus discos do Iron Maiden com carinho (apesar de Chemical Wedding, do Bruce Dickinson, continuar melhor do que a maioria das coisas do IM) e mantenho certo interesse pelas novidades.

Mas continuo achando que o metal, ao vivo, ao contrário do que se pensa, é tudo menos pesado. Salvo exceções, claro. O Judas Priest, por acaso, é uma delas.

O honky bach deve permanecer no ar pra que eu volte caso (ou quando) a mamata aqui terminar.